Una de aventuras

Aquel día llegó mi madre del videoclub con una película.Yo tenía 9-10 años.

A medida que íbamos viendo la película, me iba enganchando. Aquel chico gordito, tan gracioso(y tan cobarde, como yo), el otro tan caradura (vaya traducciones del italiano que hacía...), el protagonista (el asma nos unió..), el hermano mayor...ummm...qué guapo...(aunque me parecía demasiado mayor), el inventor y como no, Sloth (aunque al principio daba bastante miedo).
Y esa historia llena de intriga, aventura y sobresaltos.... sencillamente ¡genial!

De esto hace ya casi 25 años. ¡Cómo pasa el tiempo!

Hace unas semanas, sentí la necesidad de volver a verla. En ocasiones, volver a ver películas de tu infancia, después de tantos años, te puede llevar a una decepción, pero era un riesgo que quería asumir.

Y después de la experiencia, esta película me sigue haciendo disfrutar, como si tuviera 9 años, aunque tengo que reconocer que el hermano mayor se me ha quedado bastante pequeño...

Hasta siempre, Patrick

Jamás olvidaré una tarde calurosa de verano del 90 cuando, después de salir de la peluquería, todas mis amigas, al unísono, me dijeron que me parecía a Baby, mi autoestima jamás había estado tan crecida, me creía una diosa y prometí que jamás cambiaría mi corte de pelo...

Quizás Dirty Dancing no sea la mejor película de la historia, pero os puedo asegurar que hoy por hoy, ya pasada la adolescencia, sigue apareciendo en mi TOP 10 de películas favoritas.

Desde aquí me gustaría ofrecer este pequeño homenaje a Patrick Swayze, que a pesar de no ser, al igual que D.D, el mejor actor de la historia, para mí si que ha sido un actor muy especial y en mi escala de gustos, sin lugar a dudas, uno de los rostros más atractivos del cine.

Encadenados

La crítica de esta película sobre espionaje de Alfred Hitchcock, rodada en 1946, es muy buena. El reparto, de lujo, está encabezado por Ingrid Bergman y Cary Grant.

http://www.filmaffinity.com/es/film144054.html

http://www.labutaca.net/films/32/encadenados.htm

Sin embargo, cuando empezamos a verla, me faltó poquito para dormirme (algo insólito tratándose de una película de Hitchcock). Quizá fuese porque comenzamos a verla mientras digeríamos el amasijo de crepes con chocolate que preparé para la merienda.

En ella, se vuelve a repetir la típica historia de la chica enamorada y del chico duro, que esconde sus sentimientos. ¿Nada que ver con el mundo real?

Poco a poco, la película fue ganando en intensidad (o puede que esto se debiera a que el proceso digestivo estaba más avanzado).

El director se centra en los primeros planos, dando mayor importancia a las emociones que provocan los acontecimientos que se suceden que a éstos en sí mismos.

Encadenados es una de las últimas películas que el director realiza con el productor de éxito Selznick, debido a las desavenencias entre ambos. Al productor no le gustaban los planos secuencia utilizados tan frecuentemente por Hitchcock en los años ‘40 y que permitían a los actores rodar más tiempo sin cortes. Sin embargo, para este último, el cine comienza con el teatro.

Aunque, personalmente, no es de mis preferidas, reconozco que la segunda mitad de la película crea mucho suspense.

En fin, volveré a verla después de una comida ligera.

Sólo se vive una vez

Por fin, después de unos meses, voy a la noche temática. La estaba echando un poco de menos…pero es que todo no se puede llevar “palante”.

La sesión comenzó con un capítulo en vivo y en directo de “Escenas de matrimonio”.
Teletusa estuvo impresionante con la cena en esta noche temática “sólo para chicas”. Hubiera sido buena idea haber visto Dirty Dancing, je, je…


Me gustaría aclarar algo: el título, Esteban, no se refiere a esto:



¡Ja, ja!

Se refiere a la segunda película de Friz Lang en Estados Unidos, en 1937.

http://www.filmaffinity.com/es/film463354.html


La película me pareció algo triste y desesperanzadora… Creo que en la vida real, por desgracia, existe gente, que al igual que el protagonista, intenta mejorar, pero los prejuicios creados sobre ellos/as, tienen más peso en la sociedad que su comportamiento real.

De toda la película, me quedo con la escena en la que Henry Fonda, el protagonista, está en una celda con barrotes, a través de los cuales se cuela la luz. ¡Qué maravilla!

Sin embargo, algunas escenas, cuando se ven desde la perspectiva actual resultan un poco cómicas.

La fiera de mi niña

Últimamente no estamos quedando para ver películas, pero me gustaría recordar una de las mejores que hemos visto, al menos para mí en todo el tiempo que llevamos reuniéndonos.

Yo había visto esta película con unos 8 años y sabía que me había gustado, aunque tampoco la recordaba muy bien.

La propuse para verla y hoy puedo decir que es una mis películas favoritas, sobre todo en los malos momentos. Pocas películas me han hecho reír tanto como esta.

Katharine Hepburn y Cary Grant están geniales, desde mi punto de vista, en esta comedia de enredo de Howard Hawks.

http://www.filmaffinity.com/es/film290267.html


http://www.geocities.com/cineclasicopeliculas/lafierademinina.htm

El paciente inglés

Recuerdo que vi esta película cuando se estrenó, hace ya unos 11-12 años en un cine de Sevilla. Tengo que reconocer que no me llenó del todo, aunque me encantó la fotografía.

De esta película, que me pareció algo lenta, llamaron mi atención varias escenas que aún recordaba antes de volver a verla (algo muy extraño en mí):

• Los impresionantes paisajes del desierto
• Cuando el conde de Almasy le dice a su amante que su ¿"escote supra-esternal"? le pertenece
• La escena de ambos en la bañera
• El regalo que hace el chico hindú a la enfermera.

Algo que me está resultando muy interesante es comprobar cómo cambia la percepción sobre las cosas a medidas que se van cumpliendo años y se va ganando en madurez y experiencias. Volver a ver la película me ha servido para valorarla mucho más. No sólo por las escenas que recordaba, que me siguen encantando sino por cómo esta historia está contada, por lo que aporta cada personaje, por la hermosa y romántica historia de amor (que antes no me gustó, seguramente porque no la entendí), por lo relativo que puede llegar a ser hacer "lo correcto"...

En fin, me encantó...

Información sobre la película:

http://www.filmaffinity.com/es/film130270.html

Por cierto, el conde Almasy, en cuya vida se basa, en parte, la película, existió realmente:

http://perso.wanadoo.es/antarctica/laszlo_almasy.htm

A esta última noche temática del 2008 asistió Flor, tras una larga ausencia (aunque sólo para la cena). Se echó de menos a Esteban.

Los experimentos que probamos para la cena salieron bien. Teletusa, después nos quejamos de que no nos caben los vestidos...

Lo que piensan las mujeres

Este martes, Teletusa preparó una cena especial. Últimamente está haciendo una dura competencia a Esteban. Podíamos empezar a puntuar, a ver quien va ganando...¡Ja, ja! Espero que Esteban no se "picara" por esto, aunque a lo mejor tenía miedo de probar lo que había cocinado Teletusa...

Esta vez Ada acudió a tiempo para la cena...y además trajo un típico postre navideño...



Ella y Javi eran los únicos que estaban positivos, porque entre los demás, incluyéndome a mí misma y a Fran, había mal rollo latente... ¿será el espíritu navideño? ¡Ja, ja!



Al final, tras la "tormenta" la noche no estuvo mal del todo.



La peli, personalmente, no me gustó mucho. Me faltó sólo un poco para dormirme.



http://www.filmaffinity.com/es/film894611.html

La buena nueva

Siempre he tenido una especial sensibilidad hacia las películas y los libros que hablan de la Guerra Civil Española y de la posguerra. Quizás esto puede ser debido a que muchas de las cosas que sé sobre esto, no las he leído en libros, ni las he visto en películas. Muchas historias de gente anónima han llegado a mí gracias a mi abuela, o a las historias que mi bisabuela contaba a mi madre. Muy probablemente, no sean historias con rigor histórico ni con objetividad. No son historias con cifras, pero son historias llenas de sentimientos sobre personas que han existido realmente y que no han caído en el olvido. Pienso que es necesario que esta etapa histórica no sea olvidada para que nunca más vuelvan a repetirse atrocidades como esa.

El otro día, vimos “La buena nueva” (este es el significado de la palabra de origen griego “evangelio”), protagonizada por Unax Ugalde y Bárgara Goenaga (que ya han coincidido en varias ocasiones en otros films y series televisivas).

Tengo que reconocer que la película me encantó (está basada en un hecho real). La mayoría de personajes están llenos de matices.

Creo que “La buena nueva” remueve sentimientos y conciencias, a la vez que muestra lo difícil que puede ser actuar según te dictan tus propias convicciones en determinadas situaciones.

Como anécdota, destacar la aparición de “Loquillo” como falangista (¡Qué grande eres! Y no lo digo sólo por la altura).

Se puede leer un artículo sobre el sacerdote que inspiró la película (que por cierto, fue tío de la directora) en El País.

El ladrón de cadáveres

El viernes hicimos una "Noche temática" especial.

Esteban estaba de cena de empresa, así que Teletusa tenía vía libre para cocinar sin presiones. El resultado, impresionante. Prefiero que sea ella quien lo cuente.

A esta cena se unió Ada, que hacía ya algún tiempo que no venía. Ella trajo la película que vimos: "El Ladrón de cadáveres", de 1945, protagonizada por Boris Karloff. En el reparto también aparece Bela Lugosi, pero su aparición es muy breve.

A mí, la verdad es que me ha gustado mucho. Crea bastante tensión, sin necesidad de recurrir a efectos especiales.

La ardilla roja

Por primera vez en la noche temática, vimos dos películas.

La base del guión de "La ardilla roja" me parece muy original. Y, como siempre, crea ese ambiente peculiar, tan característico de su director, que tanto nos gusta a Teletusa y a mí.

Me parece muy bien caracterizado el personaje que interpreta Carmelo Gómez, la frase que dice, en varias ocasiones, sobre sus sensaciones corporales, refiriéndose al amor que siente por Sofía, me llamó mucho la atención, ya que es propia de un psicótico real, y no de los que suelen aparecer en la mayoría de películas. Teletusa me comentó que Julio Medem es psiquiatra, por lo tanto, no me extrañaría que la hubiese oído en algún enfermo real.

Por otra parte, desde mi punto de vista, creo que el guión tiene algunas meteduras de pata, que llegan a resultar un poco cómicas.

El videoclip de la canción “Elisa” no tiene desperdicio. Los ’80 en estado puro.

http://www.juliomedem.org/filmografia/ardilla.html

El acorazado Potemkin

Este viernes hubo doble sesión en “La noche temática”, como ya habréis visto en mundobelloto.

Debido a las quejas de nuestro querido Esteban y a su sensibilidad respecto a las escenas de sexo, decidimos ver una película de las que de verdad se supone que “encaja” en “La noche Temática”: “El acorazado Potemkin” de Sergei Eisenstein, un clásico del director, por excelencia, de la revolución soviética. Aunque, por desgracia, en los años ’30 acabó viviendo, en sus “propias carnes”, la presión de la censura en su propio país.

Este director que participó en los movimientos de vanguardia, comenzó diseñando decorados. Su obra estaba muy influenciada por Freud.

Esta película, muda, se rodó en el año 1925. Desde mi punto de vista, creo que habla del poder de las “masas”. He leído que en toda la película subyace tensión sexual, aunque yo, la verdad es que no la he sentido.

También he leído que este director intentó construir esta película basándose en la regla del número áureo. Para él, el arte era concebido como ciencia.

Durante la película, se mezclan planos cortos con generales, se rompe la lógica espacial, saltando de un lugar a otro, de forma que hace que el/la espectador/a se sienta inmerso/a en la película, se alargan los tiempos…

Una de las escenas que más me ha llamado la atención es la del carrito del bebé que va cayendo por una escalinata. Esta escena crea bastante tensión. Me ha recordado mucho a una escena similar de “Los intocables de Elliot Ness”.

Por otra parte, tengo que reconocer que me dediqué más a filosofar con mi querido amigo Fran sobre el “Plan Bolonia” que a ver la película.

Caótica Ana

El pasado viernes vimos “Caótica Ana”, de Julio Medem.

Para más información:

http://www.caoticaanalapelicula.com/

http://www.filmaffinity.com/es/film219973.html

Me parece una película dentro del estilo de su director. Algunas escenas me han parecido impresionantes. Sin embargo, el guión me ha resultado algo embrollado. La verdad es que me quedo con “Lucía y el sexo” y “Los amantes del Círculo Polar”

¿Qué pensáis?

Cumbres Borrascosas

TITULO ORIGINAL: Wuthering Heights
AÑO: 1939

DURACIÓN: 103 min.

PAÍS: EEUU

DIRECTOR: William Wyler

GUIÓN: Ben Hecht & Charles MacArthur (Novela: Emily Brontë)

MÚSICA: Alfred Newman

FOTOGRAFÍA: Gregg Toland (B&W)

REPARTO: Merle Oberon, Laurence Olivier, David Niven, Flora Robson, Donald Crisp, Geraldine Fitzgerald, Hugh Williams, Cecil Kellaway, Leo G. Carroll

GÉNERO: Melodrama

SINOPSIS: Perdido en una tormenta de nieve en un rocoso páramo inglés, un extranjero se topa con Cumbres Borrascosas, la lóbrega mansión del misterioso Heathcliff, un hombre tan torturado por un amor despechado que ha perdido el deseo de vivir. Mientras la tormenta ruge en el exterior, el fatigado caminante escucha fascinado la triste historia de Heathcliff, el antiguo caballerizo, y su inocente amor por Cathy, un espíritu libre que nunca llegó a hacer realidad su fiera pasión por él, porque cuando Heathcliff volvió en su busca después de mucho tiempo intentando hacer fortuna, se encontró a Cathy ya casada con un joven de la alta sociedad. El desengaño destrozó el alma de Heathcliff, pero no logró apagar el fuego de un deseo que arderá en sus entrañas por toda la eternidad. (FILMAFFINITY)

Me enamoré de una bruja

Título original: Bell, Book and Candle

Año: 1958

País: EEUU

Duración: 106 min

Estreno: 1958

Director: Richard Quine

Reparto: James Stewart, Kim Novak, Jack Lemmon, Ernie Kovacs, Elsa Lanchester, Hermione Gingold, Janice Rule, Howard McNear, Philippe Clay

Guión: Daniel Taradash & John Van Druten Música: George Duning

Productora: Columbia PicturesGénero: Comedia romántica

Sinopsis: Gillian Holroyd (Kim Novak), miembro de una saga de hechiceros, entre los que se encuentran su tía Queenie (Elsa Lanchester) y su hermano Nicky (Jack Lemmon), se enamora locamente de un famoso editor, Sheperd Henderson (James Stewart), que está a punto de contraer matrimonio. La joven bruja no duda en utilizar uno de sus conjuros para conseguir que Sheperd deje a su prometida y se rinda a sus encantos. Todo sale según lo previsto, pero poco después, Gillian le confiesa la verdad a Shepherd, quien indignado, pide ayuda a la extravagante señora De Pass para que rompa el hechizo. Tía Queenie toma cartas en el asunto y utiliza la más poderosa magia para reunir a la pareja: el amor

Los falsificadores

Título: Die Fälscher (The Counterfeiters)

Año: 2007

Nacionalidad: Austria

Duración: 98 min.

Director: Stefan Ruzowitzky

Guión: Stefan Ruzowitzky (Historia: Adolf Burger)

Fotografía: Benedict Neuenfels

Música: Marius Ruhland

Reparto: Karl Markovics, August Diehl, Devid Striesow, Martin Brambach, August Zirner, Veit Stübner, Sebastian Urzendowsky, Andreas Schmidt

Género: Drama/ Basada en hechos reales.

Sinopsis:
Berlín, 1936. Sorowitsch (Karl Markovics) es el rey de los falsificadores de moneda, un judío vividor que cree que "la manera más rápida de ganar dinero es haciendo dinero", y al que poco le importa lo que está sucediendo a su alrededor, ni siquiera con los judíos. Pero pronto es arrestado por los nazis y llevado a un campo de concentración, donde es obligado a trabajar para ellos junto a otro grupo de falsificadores. Su misión: crear libras esterlinas y dólares americanos. A cambio pueden vivir mucho mejor que el resto de los presos. Pero esto a algunos les supondrá un dilema moral, ya que cooperar con sus verdugos prolongará la guerra y podría significar la victoria para los alemanes.

Premios:

2007: Oscar a la mejor película de habla no inglesa. 2007: Seminci: Espiga de Plata, mejor actor (Karl Markovics)

Crítica:

"No es una obra maestra, pero sí es distinta y osada con un tema que se niega casi siempre al tratamiento con matices" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

"Película estimable, pulcra, de temática en todo momento interesante aunque de desarrollo no siempre conveniente" (Javier Ocaña: Diario El País)

"Gran dilema algo falto de emoción. (...) El desgarro interior de los personajes merecía más atención. Pero aunque no sepa llegar tan hondo, el drama es digno de verse. (...)." (Federico Marín Bellón: Diario ABC)

Información extraída de Filmaffinity

Martín (Hache)

Información extraída de Wikipedia y de Filmaffinity

Título: Martín (Hache)

Año: 1997

Nacionalidad: Argentina

Duración: 134 min.

Director: Adolfo Aristarain

Guión: Adolfo Aristarain & Kathy Saavedra

Fotografía: Porfirio Enríquez

Música: Fito Páez

Reparto: Federico Luppi, Juan Diego Botto, Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Sancho Gracia, Ana María Picchio

Género: Drama

Sinopsis:

Martín Echenique (Federico Luppi) es un director de cine, natural de Buenos Aires, que lleva más de veinte años viviendo en Madrid. Detesta su país (¿por lo mucho que lo ha amado?), se niega a recrearse en la nostalgia y no se permite un reencuentro con su pasado. Siguiendo la tradición familiar, su hijo también se llama Martín, pero todos le llaman Hache, por esa letra (H) entre paréntesis que le distingue de su padre y que ha provocado el efecto contrario, al negarle nominalmente una identidad propia. Hache (Juan Diego Botto) tiene 19 años y vive en Buenos Aires con su madre. Ni estudia ni trabaja; callejea y toca rock con su guitarra eléctrica. Han pasado cinco años desde la última vez que vio a su padre, pero vuelven a encontrarse cuando, al sufrir Hache un accidente que le pone a las puertas de la muerte quizá deseada, Martín acude de inmediato al lado de su hijo superando el terror a los aviones y su propósito de no volver a Buenos Aires. Su ex mujer ha formado una nueva familia en la que no parece haber un espacio ni físico ni afectivo para Hache. La propuesta de ella es que Hache viva con Martín. En Madrid les esperan Alicia (Cecilia Roth), la amante de Martín, una mujer mucho más joven que él y deseosa de derribar las firmes defensas que él ha levantado para no asumir un compromiso de pareja con ella, y Dante (Eusebio Poncela), el mejor y casi único amigo de Martín. Dante es actor, pero su verdadero oficio es vivir de acuerdo con lo que piensa. Su mayor placer es vivir en la cuerda floja. Martín comparte su vida con gente apasionada, pero él no se permite sentir. El que ama está expuesto al dolor y eso le da pánico.

Premios:

La película recibió 4 nominaciones a los Premios Goya 1997 a la mejor película, director y sonido, ganando el Goya a la mejor actriz principal, Cecilia Roth.

Otros premios

Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián 1997: Concha de Plata al mejor actor para Federico Luppi

Premios Ondas 1997: mejor actriz (Cecilia Roth).

Premios Cóndor de plata de la Asociación de cronistas cinematográficos de Argentina 1998: mejor actor (Federico Luppi), mejor actriz (Cecilia Roth), mejor director (Adolfo Aristarain), mejor actor de reparto (Eusebio Poncela).

Premio Coral del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana 1997: mejor película de ficción, mejor director, mejor actriz (Cecilia Roth)

Premio Glauber Rocha de la prensa extranjera

Premio Soleil d’Or del Festival de Biarritz 1997: mejor actor (Eusebio Poncela)

Premios Sant Jordi 1998: Mejor actor español (Eusebio Poncela), mejor actriz española (Cecilia Roth)

Candidata a los premios 1997 del Círculo de Escritores Cinematográficos (CEC) a: mejor película, mejor actriz, guión original.

Premios de la audiencia del Festival de cine de Oslo 1998 y Festival internacional de cine de Valdivia 1998.

Críticas:

"El pedazo de vida, supervivencia, desmoronamiento, amistad, autodestrucción, amor y muerte que acaba de filmar este retratista de las emociones, este hombre que parece saber la hostia de cosas esenciales sobre el anverso y el reverso de los seres humanos, rebosa intensidad y discursos torrenciales (...) un maravilloso director de cine, un equilibrista que avanza por la cuerda floja más arriesgada, amenazada por el rídiculo y el vacío verborreico, pero que consigue sortear esos peligros y llegar al final de la meta con su tesoro íntegro. Aristarain dirige la partitura y la orquesta con el pulso, el coraje y el talento de un maestro. La orquesta está formada por cuatro virtuosos que además de técnica también ponen su alma." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

"Una película tensa, intensa y espectacularmente lúcida. Federico Luppi ejerce de nuevo aquí todo su magisterio interpretativo, Juan Diego Botto roza la perfección y Eusebio Poncela y Cecilia Roth acaban de componer el espléndido cuarteto de cuerda con el que Aristarain ata en corto su arriesgada empresa." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)

"Aristarain aborda un filme intimista, siempre recorrido por los sentimientos más rotundos y enfrentados. Es una película honesta hasta el desgarro y apasionada casi siempre." (M. Torreiro: Diario El País)

"A través de un texto que supura desgarro, intensidad y, por supuesto, amor, las vidas enteras de todos los oficiantes de este ejercicio de catarsis inundan la pantalla y la empapan de emoción en un condensado ejemplo del mejor cine" (Luis Martínez: Diario El País)

"Algunos la encuentran discursiva. Con un film así, bienvenidos los discursos" (Javier Ocaña: Cinemanía)

El gabinete del Dr. Caligari

Título original: Das Kabinett des Dr. Caligari

Año: 1920

Nacionalidad: Alemania

Duración: 63’

Dirección: Robert Wiene

Guión: Carl Mayer, Hans Janowitz

Fotografía: Willy Rameister (Blanco y negro)

Música:Muda

Reparto: Werner Krauß (Doctor Caligari), Conrad Veidt (Cesare), Friedrich Feher (Francis), Lil Dagover (Jane) y Hans Heinrich von Twardowski (Alan)

Género: Suspense/Terror

Sinopsis: Sentado en un banco del parque, Francis le cuenta una historia a su compañero: En la ciudad de Holstenwall, situada al norte de Alemania, aparece de repente una feria ambulante, y Francis convence a su amigo Alan, estudiante, para que vaya a verla con él. El Dr. Caligari, uno de los componentes de la feria, le pide a un empleado del Ayuntamiento que le consiga los permisos necesarios. El empleado se burla de él y al día siguiente aparece asesinado. Francis y Alan, que están en la feria, acuden a ver al Dr. Caligari y a su sonámbulo, Césare. Este lee a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer

El gabinete del Dr. Caligari es la primera película del cine exprexionista alemán. Cine expresionista alemán es el nombre que se le da a un grupo de producciones cinematográficas con ciertos aspectos en común. Este estilo de hacer cine tiene su correspondencia con la corriente expresionista, que surge como respuesta a la corriente impresionista del siglo XIX en pintura. La pintura expresionista se caracteriza por la “expresión subjetiva” sobre la representación de la objetividad. Esta pintura recurría a colores hirientes y ritmos lineales muy fuertes. Arraigó fundamentalmente en Alemania, influyendo en el cine, siendo ésta película, la pionera del cine expresionista alemán. El expresionismo influiría luego, por ejemplo, a directores como Hitchcock.

La película está inspirada en una serie de crímenes sexuales que tuvieron lugar en Hamburgo, Alemania. Narra los estremecedores crímenes que cometía Cesare, bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, que recorría las ferias de las ciudades alemanas exhibiendo a su sonámbulo. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra. El guión original de la película, fue modificado y Wiene, seguramente, presionado por la productora y ésta por las autoridades alemanas, añadió una escena inicial y otra final que trastocaban el sentido de la historia.

El principal atractivo de la película reside en su anormalidad escenográfica, con chimeneas oblicuas, reminiscencias cubistas y ventanas con forma de flecha, todo ello con una función meramente dramática y psicológica, y no como algo decorativo. Los decorados están distorsionados, ya que se representan como si fueran una maqueta o cartones pintados superpuestos para crear ilusiones. De esta manera, se genera una sensación de angustia y de opresión casi constantes; nos encontramos ante un mundo puntiagudo y lleno de ángulos, constantemente amenazador.

La película se caracteriza, además de por los decorados (retorcidos y con ángulos imposibles), por la forma exagerada de actuar y el maquillaje de los actores y actrices y el coloreado posterior de las escenas, dejándolas en tonos azules, sepia o verdes. Hay también un curioso uso de máscaras para hacer fundidos en negro progresivos, dejando destacada una parte de la acción. Se enfatizan sombras oscuras y contrastes, como en su comienzo, al aparecer la chica que resalta del fondo. Se nota que hay un uso de luces artificiales. Es cierto que el azar contribuyó a realzar ese dramatismo, ya que, debido a la limitación de la iluminación en el estudio donde se rodó, se decidió pintar los decorados con luces y sombras.

En un principio, el productor pensó en Fritz Lang como director del film, pero debido a los compromisos que éste tenía en ese momento, acabó dirigiendo la película Wiene, que hace un excelente trabajo con las emociones de los personajes y la presencia de éstos.

Qué bello es vivir

Título original: It’s a wonderful life

Año:1946

Nacionalidad: EE. UU.

Duración: 129 minutos

Dirección: Frank Capra

Guión: Frances Goodrich, Albert Hackett, Frank Capra

Fotografía: Joseph Walker & Joseph Biroc (B&W)

Música: Dimitri Tiomkin

Reparto: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, Beulah Bondi, Ward Bond, Frank Faylen

Género: Drama
Premios: 5 nominaciones a los Oscars: Mejor película, director, montaje, actor y sonido.


La historia comienza contando la vida de un hombre. Y mejor no seguir hablando del argumento, para no estropearle la película a quien quiera verla. Lo que sí se puede decir es que habla de valores humanos: buenos sentimientos y de la importancia de ayudar y darse a los demás. La caracterización de personajes es muy buena, y las interpretaciones geniales.

Como curiosidad decir que es la película más emitida en las televisiones durante la Navidad en Estados Unidos.

Hasta siempre, Paul

El pasado 27 de Septiembre, nos dijo adiós, uno de los rostros más bello del cine, Paul Newman.

Quizás lo primero que relacionamos con su nombre es su gran atractivo, pero detrás de esa fachada de sex simbol, escondía, además de talento , un gran corazón y amor hacia la humanidad, de ahí que fuera considerado un filántropo.

Por eso, mi pequeño homenaje, no va dirigido al actor , sino a la persona que hábía detrás, la cual, jamás dejó que la fama lo deslumbrara. Para ello me gustaría destacar los siguientes puntos solidarios de su vida:

1.- En 1982, fundó una línea de productos alimenticios, llamada "(Newman's Own)", que se hizo famosa por una marca especial de aliño para ensaladas. Todos los beneficios obtenidos a través de la misma fueron donados a caridad. A fecha de 2006, se estima que la franquicia ha superado los 200 millones de dólares en donaciones.

2.-Impulsó en memoria de su hijo la Fundación Scott Newman, destinada a auxiliar y proteger a personas víctimas de la droga.

3.-Ha pertenecido a la Alianza para la Defensa del Medio Ambiente.

4.- En 1978 representó a su país ante la Organización de las Naciones Unidas en la Conferencia para el Desarme

5.-En 1990 fue nombrado "padre del año" por UNICEF y propuesto como candidato a gobernador de Connecticut por el congresista demócrata Benjamin de Zino.

6 .-Fundó una serie de campamentos de verano para niños/as con enfermedades graves, donde utilizan la diversión y la sonrisa como medicina. Gracias a su iniciativa, 15.000 niños/as disfrutan cada año del ocio y bienestar que ofrecen sus campamentos de verano,Hole in the Wall Camps. Son campamentos gratuitos subvencionados por más de 42.000 entidades y personas de todo el mundo. Desde que comenzara su actividad han pasado por los campamentos más de 114.000 niños/as.

¿Qué más podríamos pedir??

Hasta siempre, Paul...

Teletusa.